男人体油画图片大全

❶ 林金福的他人评价

陈丹青的评价－－－2007年，林金福大学刚刚毕业时《新周刊》的记者就问过陈丹青“有没有新一代有潜力的新锐青年艺术家进入你的视野，陈丹青在回答中就提到了林金福的名字，问丹青作何评价。他回答是“我不急于作评价，一朵花刚开，别评价，让他长大，盛开！”
2009年，当陈丹青先生在看了林金福的人体油画创作的评价是： “所有艺术学院的学生都画人体习作，但人体创作却是罕见——尤其以男子的裸体作为主题。林金福自清美毕业三年多了，迄今仍持续在画布上追慕少壮男体的矫健与青春，这条窄路也许因他的坚执而越走越宽。肌肉与形体固然是雄健之美，倘若金福还能画出男体的忧郁和神秘，他的男体画面，或许会有更成熟的意境。”
2010年 陈丹青看到林金福的第一张古典系列的作品《眸》时更留言道：金福:这是你最好的人体，进一大步，则有卡拉瓦乔的意思，整体，鲜明，内在，面孔表情性感而感性，抛弃了过度姿态化和繁琐的刻化……为你这幅画高兴！ 。
彭锋的评价－－－ 一次偶然的机会，让我结识了金福和他的画。我记得是在看完一位艺术家工作室后，路过金福的工作室，不经意间看见了他挂在墙上的《眸》。作品仿佛散发出一股神奇的力量，将我牢牢吸引过去。我们一行人进入金福的工作室，在那里还看到了《琴》、《白舞鞋》和《卧女》。这几幅画加在一起，让我觉得面前的这位年轻人不同寻常。它们不是偶然的产物，不是对某种样式的模仿，而是进入了一种相当自如的表达，看得出来是经过审慎选择的结果，是心灵的产物。尽管高超的写实技巧容易掩盖画家的内心世界，但我们还是能够透过画面感受作者心灵的纯净。我都不敢相信，面前的这个小伙子在喧嚣的北京生活了长达十年之久。画面的高贵和静穆，让我想起温克尔曼对古希腊艺术的赞叹。纯正的油画品格，让我想起文艺复兴时期的大师的作品。金福的画，让我穿越时空，仿佛进入了久远的地中海文明。
随后我看到金福更多的资料，得知他在创作这些作品之前，还尝试过一些不同的风格。比如，有个阶肢歼段可以看到李希特的影响，还有个阶段可以看到弗洛伊德的痕迹。但是，只有到了这个新的阶段，金福才终于找到最适合自己的表达方式。这里所谓的适合，与观念和技术无关，与感觉有关，与个人气质和生命体验有关。如果从绘画史上来看，金福正是通过一种不断“退步”，找到了最适合自己的表达方式，让自己的创作接上了地气。金福的这种探索历程，告诉我们一个道理：与科学不同，艺术没有明显的进步的历史。历史上曾经出现过的艺术样式，不再以线性的顺序展开，而是以星座的形式环绕。对于艺术家来说，那颗最亮的星，一定是在感觉上离自己最近的，但不一定是在时间上离自己最近的。它有可能是一颗早已死去的遥远的星辰，经过漫长的跋涉，其光芒今天才抵达视域范围。对于金福来说，古典写实油画，就是离他心灵最近的那颗星辰，尽管它在时间上远比其搭虚他艺术样式更久远。金福执着绘画，目的是什么呢？在照相技术尚不发达的时代，写实油画的一个重要的目的，是对客体的再现。绘画的再现，可以让对象超越时空的限制而获得永恒。就像奥斯卡°王尔德（Oscar Wilde）的小说《道连格雷的画像》（The Picture of Dorian Gray）所喻示的那样，画像可以让人抵抗时间的侵蚀，容颜不改，青春永驻。但是，随着摄影技术的发明，绘画的这种功能即被取代。金福耐心细致地刻画他的人物，与摄影师给他们拍摄肖像有何区别？金福并不回避这个问题，也不希望采取复杂的方式来应对它。在他看来，之所以不辞辛劳去描绘一个对象，原因是要把他们从日常对象转变为理想对象，并在其中找到自己的精神寄托。金福对绘画的这种朴素看法，在标新立异的当代艺术界并不多见。但是，它却与古老的美学理论形成回响。亚里士多德认为诗比历史更接近真理，因为诗不仅描写已经发生的事物，而且也描写可能发生而没有发生的事物。可能的事物，就是理想的事物。艺术不仅再现现实，而且表达理想。正因为艺术可以体现理想，它才不可能被纯粹的机械复制技术所取代。
金福在他的作品中表达和追求理想。在通常情况下，有理想意味着乐观主义。但是，金福不是一个乐观主义者，他甚至有些悲观。艺术中对理想的追求，与生活中的悲观主义倾向，似乎很不协调。这再历枝冲一次让我们想起古希腊的艺术。温克尔曼将它们的审美特征概括为高贵的单纯和静穆的伟大。包括温克尔曼在内的欧洲启蒙思想家都一致认为，这是古希腊人的乐观主义的体现。古希腊艺术的美是古希腊人生活的美的反映。但是，尼采却不这么认为。尼采的逻辑是，生活与艺术是两回事。生活中所缺乏的，通过艺术来补偿。乐观主义者，不需要美的梦幻和理想，因为他们在生活中已经得到满足。在艺术中追求理想的人，往往是现实中的悲观主义者，他们需要艺术的慰藉，才能渡过生活的难关。尼采的这种解释，深化了我们对古希腊造型艺术之美的理解，也为我们理解金福与他的作品的关系提供了理论支持。金福也是在他的艺术中寻求生活中所缺乏的那种精神慰藉。
不过，金福似乎并没有严格地维持生活与艺术的边界。他对绘画是如此地投入，以至于模糊了角色与演员的区别。金福从一个相反的方向，与当代艺术走到了一起。尽管与当代艺术家将艺术降低为生活不同，金福力图将生活提升为艺术，但结果一样，都是取消生活与艺术的边界。生活与艺术的边界的模糊，会让梦幻逼真，也会让真实虚幻。如同庄周梦蝶所喻示的那样，真实与虚幻可以颠倒。这种颠倒关系，让金福的作品蕴含的信息变得复杂起来。与唯美主义者不同，金福的人物在美的外观下，潜伏着某种紧张、不安和莫名的力的涌动。
由此，金福所塑造的人物，不仅是美的，而且是强健的。这两种审美特征，在西方美学中是相互独立的。尼采就看到，古希腊艺术不仅有制造梦幻的造型艺术，而且有制造沉醉的悲剧艺术。前者就是所谓的日神精神体现，后者则为酒神精神的彰显。在西方美学随后的发展中，这两种审美特征逐渐发展为相互对立的优美与崇高。在造型艺术中，通常用女性来表现优美，用男性来表现崇高。然而，在金福的作品中，我们经常看到用男性来表现优美。优美与崇高的对立，在金福的作品中达成了和解。我们在古希腊艺术中，也可以看到这种和解。因为古希腊人心目中的美，可以超越性别之上。优美与崇高的对立，只是在后来的文化中被不断加强。金福用男人体来表现优美，不由得让我们想起美在古希腊的起源。真正的美，不像后来的美学家所总结的那样，是小巧、光滑、透明等单一的特性，而是一系列矛盾的冲突与和解，是动与静的完美结合。正因为如此，温克尔曼在描绘古希腊艺术中的美的时候，采用了一系列反义词，认为它们“就像海的深处永远停留在静寂里，不管它的表面多么狂涛汹涌，在希腊人的造像里那表情展示一个伟大的沉静的灵魂，尽管是处在一切激情里面。”
如果真是这样，尼采所区分的日神精神和酒神精神，就不应该视为截然分裂，而应该被视为统一整体中的两面，就像白天和黑夜构成一个整天，或者像阴阳构成的生命和谐。金福所塑造的人物，让我们看到了阴阳和谐的理想。在席勒看来，这种理想只存在于古希腊。由于现代社会分工和分裂，理性与感性，崇高与优美，阴柔与阳刚，就不再能够统一起来。金福的作品，让我们想起席勒所憧憬的那种理想。优美的外观制造日神般的梦幻，涌动的力量制造酒神般的沉醉。那种从醉生梦死中迸发出来的美，如同从容的绝唱，袅绕而动人心魄。
彭锋
2013年11月6日于芝加哥
司汗的评价－－－林金福出生在二十世纪七、八十年代交替之际。他运用古典油画技法寻求并重建现代中国男性的“古典美”。
肖像和裸体研究是所有中国美术教育的重要组成部分，但作为一个艺术主题，赤裸的男性身体是罕见的。林金福是中国艺术家当中极少数的一位即以男性身体的美作为创作主体。他在福建省美术学院学习了四年雕塑，后又考入清华美院油画系，成为知名艺术家和艺术评论家陈丹青的学生。关于林的油画《眸》，陈写道：“这是你最好的作品，前进了一大步，有卡拉瓦乔的意思，整体，鲜明，内在，面部表情性感又感性，抛弃了过度姿态化和繁琐的刻画。”
我们曾在瑞典的展览上给林起了“卡拉瓦乔”的绰号，部分是因为有些人觉得中国人的名字拗口。那些知道西方艺术史的人也清楚林的艺术具有巴洛克和新古典主义的风格。熟知中国艺术史的人都知道中国艺术家学习和使用西方油画技术至少已有150年，像钢琴音乐和歌剧一样，这不再仅仅是欧洲文化传统的一部分，而且也成了中国文化的一部分。这种技术和表现形式与中国的传统审美相结合，给了艺术家更大的自由，这一切促成中国成为一个艺术的大熔炉。文革结束后解除了各种束缚，意识形态获得了更大的自由，除此之外，传统和现代重叠，东西方文化融合，林处在中国艺术生活成为世界焦点这个大背景下。林金福和其他本次展览的参展艺术家可以放在这样的背景下进行分析，但我所关注的并不是西方还存在多大程度上的影响，而是作品展示的内容如何反射出艺术家所生活的时代与环境。
†林金福的油画是对中国传统的一种突破，在中国的传统中，对于性和性行为是极为保守的。由于赤裸的身体容易使人联想到性，因此此类的艺术在中国艺术史上没有空间。唯一的例外是春宫图，但这也严格地仅供私人使用，并不能公开展示。
从2010以来，林金福的作品如《眸》和《琴》除了表现男性的张力以外同时也流露出一种明显的忧郁。这种令人愉悦的美感突破了男女性别的差异，或者说是结合了男性和女性的特点，林的作品《白舞鞋》清晰地展示出了这种特征。
这种美也存在于中国文学中。林金福钟爱一本18世纪的经典小说《红楼梦》，书中有些人物的主要性格突破了传统意义上的性别的界限，体现了中国古典美的特质，它超越了性别差异。
对于艺术之美，林说到：“我艺术创作的主体是人，我一直对人体以及人物的表情很感兴趣，人类是自然界最美丽的形象，更是艺术表现永恒的主题，所以我想追求一种对生命的尊重和由衷的赞美，希望这种美是原始的，宁静的，不带偏见的超然痛苦的，纯粹的美。”
瑞典东方博物馆馆长 ：司汉，2012于瑞典
中国油画报的评价：初见金福时隐隐中感觉到他的不同：内秀而又具有激情，内敛而质朴，追求完美而兴趣广泛。与陌生人接触时的羞涩和论及艺术作品时的热情洋溢，判若两人，同样的环境，不一样的激情。他不善言谈，默默地将深沉而细腻的情感凝聚于平滑的画布，用自己的艺术语言体悟着不同的人生经历与情感，他不是当代浮躁的弄潮儿，不是追名逐利的名利奴。希望他能继续保持着这种坚执与不断追求的品性，保持这种淳朴，超越自我的迷障，继续完善自我。让我们等待他的成长，盛开吧！
博宝艺术网的评价：林金福是博宝艺术网合作艺术家，是当代杰出的油画家之一，擅长人体油画的创作，多年研究对人体艺术执着的探索和研究，创作生活但却有丰富的思想性，参加国内外多次展览活动，并且多次获奖，赢得殊荣。他创作的多幅油画被海内外人士收藏，有一部分被美术馆收藏，作品具有很高的收藏价值，是值得挖掘潜力的艺术家之一。
通过林金福先生的人体油画作品，可以感受到人细腻的皮肤质感，男性与女性身体的奇妙的区别，分别所具展现出的各自的美，通过人体油画作品作为媒介，令我们更懂得欣赏、探索和认识美得内涵和定义。一幅名为《三美神》的男性人体油画作品，是艺术家从欧洲宗教传说的三美神的传说出发，用三位美貌的男人体崭新啊，借着这个美丽的名字传达了男性独有的美的一面。
随着国家物质及文化文明的逐步提高，人体艺术会逐步被大众认识、理解和接受的。认识终究是要有一个观念的更新和认识的过程的，当然中国传统文化还是对中国的人体艺术起着非常大的影响力，相对于西方千姿百态的人体艺术，中国形成了自己独特的人体艺术表达方式。

❷ 乌鲁木齐纸上画廊——蔡永生油画让你惊艳

推荐名家——蔡永生

蔡永生、男、汉族，1958年生。早年在师范大学美术中专部学习，1980年考入西安美术学院师范油画专业，1984年毕业获文学艺术学学士。现为职业画家，新疆美术家协会理事，油画艺术委员会副主任，新疆师范大学美术学院硕士生导师，多幅作品入选各类美术作品展览，曾获《新疆当代油画艺术展》金奖，《最美还是我们新疆走进博州》艺术奖，《最美还是我们新疆走进伊犁》获银奖。

油画《巴扎上的男人》 100*100cm

蔡永生二十多年来坚持油画创作，作品是画家丰富内心世界的真实呈现，他笔下的人物和风景，皆指向了他生活了多年的这片土地——新疆。他将对人物生活环境及精神状态的关注和观察，转化为对写实油画的深刻理解，生动把握人物的内心活动，对人物的神情进行真实的刻画和表达。每一幅作品不仅仅画的是人物，更是鲜活的生活场景，把观者带入到画轮碰家的语境里，体会画中人物的喜怒哀乐。

油画《哈萨克姑娘》 60*80cm

蔡永生的耐耐风景画，看似写实，实则在细节处融合了画家个人对描绘之地的重新认识，这从画面的整体色彩中充分体现，色腊亩谈调层次丰富，用色突破人们的常规理解，使得画面的艺术效果更鲜明。他的作品均体现了对艺术本质的追求，从生活中来，艺术的再现生活。

油画《红衣女孩》50*70cm

油画《姐弟》80*100cm

油画《姐妹》80*100cm

油画《羊市》100*100cm

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❸ 有一幅油画是，一男的躺在悬崖边，另一个男的在天上飞，两个人互相伸手的，画的名字叫什么

是米开朗琪罗为罗马西斯廷教堂创作的巨幅天顶画《创世纪》中的一幅画《创造亚当》。

《创造亚当》是整个天顶画中最动人心弦的一幕，这一幕没有直接画上帝塑造亚当，而是画出神圣的火花即将触及亚当这一瞬间：从天飞来的上帝，将手指伸向亚当，正要像接通电源一样将灵魂传递给亚当。

创作背景

《创造亚当》是根据创世纪第二章：“耶和华神用地上的尘土造人，将生气吹在他的鼻孔里，他就成了有灵的活人，名叫亚当，耶和华在东方立了一个伊甸园子，把所造的人安置在那里。”

米开朗基罗为了集中注意力于大神的创造，以及亚当的诞生，便把神和亚当安量在左右两边的空中和陆地上。右边是耶和华大神，飞翔在空中，他左手抱着天使们，右手伸向亚当。

亚当全身裸体，躺在左边的陆地上，一手伸向大神。神与人的手指象接电似的相互交流，这里表现了充满精力的老人和年轻而美丽的生命的诞生。体现了创造者的权威和被创造者的信心。

米开朗基罗画中亚当形象可能是来自一个雕有奥古斯都骑着摩羯的多彩宝石浮雕，这个浮雕现藏于英国诺森伯兰郡阿尼克城堡。这件艺术品原本是枢机主教多梅尼科·格里曼尼的藏品，他在米开朗基罗绘制《创造亚当》时正好住在罗马，且有证据显示二人颇有交情。

但也有说法称亚当的形象实际上是来自于洛伦佐·吉贝尔蒂同名作品中的亚当。此外，米开朗基罗的关于上帝与亚当互相向对方伸出手臂的创作灵感也许是来自中世纪圣诗《轻叩心扉之门》（Veni Creator Spiritus）。

❹ 国外一副名画 两个男人 指尖相触的画叫什么名字啊

米开朗琪罗为罗马西斯廷教堂创作的巨幅天顶画《创世纪》，其中《创造亚当》是整个天顶画中最动人心弦的一幕。

这一幕没有直接画上帝塑造亚当，而是画出神圣的火花即将触及亚当这一瞬间：从天飞来的上帝，将手指伸向亚当，正要像接通电源一样将灵魂传递给亚当。

(4)男人体油画图片大全扩展阅读

《创世纪》中第一部分创世的构成：

1、《创世》过程被简化成三个场景﹕“创造光”、“创造日月与植物”、“分开陆地和海洋”。

（1）第一个画面描述的是“混沌之初，神说要有光，于是有了光。”这里的“光”显然不是来源于日月星辰，而是来自主神的一念。在柏拉图理论中，“光”代表着最高的智慧与真理。‘神觉得光很美好，就把光和黑暗分开’。也就是说，神给人造的世界是二元的，有了光明与黑暗，在表现上就有了昼、夜；但在另一层意义上也有了阴、阳，正、负，既对比又互补的“相生相克”的特性。

（2）第二个画面中，《神创造了日月》。既然已有了光明与黑暗，为什么还需要日月呢？因为天体规律运行产生的周期，可以给人时间的概念，作为人类生活作息的依据，进而在其中看到万物消长、成住坏灭的循环。而这创造日月的一幕已足以代表米开朗基罗作品的典型风格﹕从构图动势到人物的外形、神态都流露出一种坚强意志与威严的震慑力量，当时人称为“terribilità”。

（3）《分开陆地与海洋》相对较为平静﹕主神漂浮于辽阔的海面上，慈悲俯察着自己的刚刚完成的杰作。鼓胀的斗篷和拥簇的天使能增加视觉上的份量。

❺ 卢浮宫油画简介，最好对应图片

1、大画廊

油画的画面光线处理的技巧十分娴熟，在一百五十个人物肖像中，很自然地突出了主要人物，并恰到好处地照顾到某件首饰上镶嵌的宝石或某件衣物面料的柔滑。从某种角度来说，大卫是现代摄影师的先驱，就像他们纪录世界重要人物的大事件，在画上展现出的奢华场景不禁令民众浮想连翩。而在画面上所有这些人物中，最生动的应该是身穿红衣站在画面右端的外交部长塔列朗，他似乎对这台透着炫耀味道的好戏投去嘲讽的一瞥。

❻ 不知道油画叫什么名字

靳尚谊《双人体》
基本信息
创作年代：
1983年
尺寸：
102cm x 110 cm
关键字：
人体、布面油画、青年、女人
作者自述
《双人体》作于1983年春天，也是写生，画了三周，没有再修改。我从美国回国后第一张人体画了《自然的歌》。这是第二张，比第一张成熟。 这幅作品是在王府井中央美术学院壁画系的画室。寒假期间壁画系老师组织练习，大家一起摆构图。这是我第一次画双人体。我用古典的方法画。整体处理好，体积感、厚重感都很到位，再加上形式独特，效果很突出。 画人体比画着衣模特更难。人，特别是年轻的棚绝女人体是世界上物体最复杂、最美、最难的造型，尤其色彩最难。女人的皮肤有种说不出来的感觉，它有生命，有光泽、有力度、它的美比其它任何物体都丰富复杂。画人体特别能锻炼手的功夫。我从58年开始画人体写生直到画这张《双人体》，连素描人体在内，我差不多画过二十穗和哗张左右人体作品。画完1958年《站着的男人体》的素描，标志着我解决了结构问题。而达到基本解决造型、色彩问题是1978年画完油猜行画《青春》之后。研究人体画二十年，我才能达到这张《双人体》的水平。

❼ 大学,画男人体阴茎

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