人文紀實攝影小女孩戲水圖片

㈠ 什麼是人文攝影

分析如下：

人文指人類社會的各種文化現象。

人文攝影顧名思義就是以人或人的活動為拍攝對象的攝影。

目前通常是藝術性的攝影活動才用到這個名詞。人文攝影，顯然是指能體現人類文化中的先進的、優秀的、健康的內容的作品。這些作品能觸及讀者的心靈深處，使讀者在愛、關懷、崇敬等情感上能與作者引起共鳴。

拓展資料

靜物攝影

靜物攝影與人物攝影、景物攝影相對，以無生命（此無生命為相對概念，比如從海里捕撈上來的魚蝦、已摘掉的瓜果等）、人為可自由移動或組合的物體為表現對象的攝影。多以工業或手工製成品、自然存在的無生命物體等為拍攝題材。

在真實反映被攝體固有特徵的基礎上，經過創意構思，並結合構圖、光線、影調、色彩等攝影手段進行藝術創作，將拍攝對象表現成具有藝術美感的攝影作品。這就叫靜物攝影。

靜物攝影在選材方面有廣闊的天地，在擇好素材之後，就可以隨心所欲的處理這些對象，因為被攝物體是無生命的，可以任憑擺布，多角度移動以達到創作意圖。靜物攝影具有兩大優點：首先，它是進一步體會藝術視覺的深化過程。

當一些很平常的物體被拍成引人入勝的照片時，實際上也就是深入學習觀察這些物體的過程。其次，拍攝靜物能獲得更多的實際攝影知識。對攝影者來說，靜物攝影的難處在於它的畫面構成具有獨到之處。

當布置好被攝物體之後，必須選擇拍攝角度，在用光方面發揮創造性，進而把從靜物攝影中學習到的實際攝影知識、基礎原理應用到日常攝影中去。

人像攝影

人像攝影與一般的人物攝影不同：人像攝影以刻畫與表現被攝者的具體相貌和神態為自身的首要創作任務，雖然有些人像攝影作品也包含一定的情節，但它仍以表現被照者的相貌為主，而且，相當一部分人像攝影作品只交待被攝者的形象，並沒有具體的情節。

而人物攝影是以表現有被攝者參與的事件與活動為主，它以表現具體的情節為主要任務，而不在於以鮮明的形象去表現被攝者的相貌和神態。這二者之間的重要區別，在於是否具體描繪人物的相貌。

不管是單人的或是多人的，不管是在現場中抓拍的還是在照相室里擺拍的，不管是否帶有情節，只要是以表現被攝者具體的外貌和精神狀態為主的照片，都屬於人像攝影的范疇。

那些主要表現人物的活動與情節，反映的是一定的生活主題，被攝者的相貌並不很突出的攝影作品，不管它是近景也好，全身也好，只能屬於人物攝影的范疇。

當然，從廣義上來說，人像攝影拍的是人，它也屬於人物攝影。人像攝影以刻畫和描繪被攝者的外貌與神態為自己的表現任務，應人物相貌鮮明。它分作照相室人像、室內特定環境人像和戶外人像三大類。人像攝影的要求是「形神兼備」。

記錄攝影

記錄攝影指以紀錄為第一目的，對客觀事物進行真實影像反映的圖片攝影。

攝影之所以誕生，就是為了記錄的目的。它誕生之後所顯示出來的強大的生命力，也恰恰在於它的記錄功能。這是其他技術或藝術所無法比擬或取代的。

因此，從廣義上說，攝影就是記錄。記錄攝影的結果是影像記錄作品。相應而分，影像記錄作品包括影像新聞作品和影像紀實作品。

記錄攝影目的（可能並不惟一，卻是首要目的）在於記錄；前提是尊重客觀真實；對象是客觀事物的表像；記錄方式是以攝影再現影像。按照紀錄影像的方式和追求的價值不同來劃分，記錄攝影分為新聞攝影和紀實攝影。

藝術攝影

隨著的發展，人們在攝影中不斷地增加藝術的元素，開始產生藝術攝影。它與記錄攝影的區別在於藝術性的多少與高低，而無絕對的界限。

例如：我們去照張像作身份證或留個紀念，一般照相館拍攝的照片，最多有點資料或記錄價值。可是，鄭景康先生給齊白石先生拍的人像，50年過去了，至今仍是世界二十幅最優秀的人像作品之一。其中的差別完全 在於藝術性的高低。

藝術攝影拍出來的效果更唯美，因為這不僅需要技術，還要找准拍攝的時間、地點和角度。

畫意攝影

畫意攝影以其唯美的畫面語言及美好的設計內涵一直是人像攝影的一種重要的表達方式。

十九世紀後半頁，英國攝影家雷蘭達拍攝出了曾被預言為「攝影新時代來臨了」的作品-----《人生的兩條路》，在攝影還被輕視的當時，這幅作品以其勸勉性的主題和油畫式的構圖，受到了維多利亞女王的極高評價。可以這樣說，雷蘭達對推進攝影藝術的發展功不可沒。

從此，畫意攝影也逐漸成為攝影藝術中的一個重要流派。

商業攝影

商業攝影，顧名思義是指作為商業用途而開展的攝影活動。從狹義上講就是商業攝影，廣義上就是為發布商品或者撰寫故等進行的攝影類型，這種類型在時下的攝影活動中是極為重要的一種。

這類攝影是為商業利益而存在的，要按照企業要求進行拍攝，比較拘束。

水墨攝影

和傳統的水墨畫一樣，現市面上出現的水墨攝影作品，按題材，可以分為風景、花鳥和意境，對應國畫中的山水畫和花鳥畫；按手法和意境，可以分為抽象和具象，對應國畫中的寫意和工筆。

水墨風格的攝影照片雖然免不了使用Photoshop等軟體的後期加工，但是這並不意味著可以任意扭曲原照片。好的水墨攝影作品要盡量少的修改原照片，它考驗的更多的是攝影師的構圖和捕捉光影的能力 。

全息攝影

全息攝影是指一種記錄被攝物體反射波的振幅和位相等全部信息的新型攝影技術。普通攝影是記錄物體面上的光強分布，它不能記錄物體反射光的位相信息，因而失去了立體感。

全息攝影採用激光作為照明光源，並將光源發出的光分為兩束，一束直接射向感光片，另一束經被攝物的反射後再射向感光片。人眼直接去看這種感光的底片，只能看到像指紋一樣的干涉條紋，但如果用激光去照射它，人眼透過底片就能看到原來被拍攝物體完全相同的三維立體像。

一張全息攝影圖片即使只剩下一小部分，依然可以重現全部景物。全息攝影可應用於工業上進行無損探傷，超聲全息，全息顯微鏡，全息攝影存儲器,全息電影和電視等許多方面。

攝影流派：

1.繪畫主義攝影

繪畫主義攝影是流行於20世紀初攝影領域的一種藝術流派，它產生於十九世紀中葉的英國。

該派攝影家在創作上追求繪畫的效果，或「詩情畫意」的境界。它大致經歷了這樣三個階段：仿畫階段；崇尚曲雅階段；畫意階段。

繪畫主義攝影家提出，「應該產生攝影的拉斐爾和攝影的提茨安。」

繪畫主義攝影經歷了較長的發展時期，第一個繪畫主義攝影師是英國畫家希路（1802-1870），他擅長人像攝影，作品結構嚴謹，造型優雅。1851年至

1853年，是繪畫主義攝影的成長時期。

1869年，英國攝影家HP羅賓森（1830-1901）發表了攝影的畫意效果一書，他提出：「攝影家一定要有豐富的情感和深入的藝術認識，方足以成為優秀的攝影家。

無疑的，攝影術的繼續改良和不斷發明啟示出更高的目標，因為攝影本身無論如何精巧完備，還只是一種帶引到更高的目標而已。」為該派奠定了理論基礎。

1857年，OG雷蘭德（1813-1875）創作了一幅由30餘張底片拼放而成的、具有文藝復興風格的作品：兩種生活方式，標志著繪畫主義攝影藝術上的成熟。

這一時期的作品，其題材大都富有宗教色彩，含有一定的規喻性。拍攝時，預先打好草圖，然後利用模特兒、道具，組織和安排場面，並通過暗房加工而成。追求照片畫面的繪畫效果。

隨後，繪畫主義攝影的內容有所擴大，但風格仍崇尚古典主義，造型和構圖仍具學院派的法則，因而顯得含蓄、沉穩、典雅。

當該流派發展到畫意階段時，追求作品的情感、意境和形式的美，依舊是它的特點。

由於繪畫主義攝影家強調藝術修養：「如果想要使攝影在藝術上有地位，攝影家就必須首先培養起審美的能力和育實藝術的修養。」所以其歷史功績是把攝影從初期機械地摹寫對象引導到造型藝術的領域中去，促使了攝影藝術的發展。

由於繪畫主義的創作大都脫離現實生活，加上攝影器材的日益改善，人們審美趣味的不斷發展，為「自然主義」所沖擊。盡管這樣，在今天的攝影藝術殿堂中，仍有它的席位。

這一流派的主要攝影家和作品有：普萊期（?-1896）的男爵之宴、魯賓遜漂流記、寶塔情景；羅賓林的當一天工作完了的時候、秋天、兩個小姑娘、彌留、拿著毒葯瓶的朱麗葉、黎明和落日；

雷蘭德洗禮者聖約朝霞之首、伊菲吉尼亞、優迪特與荷羅佛尼斯；金馬倫夫人（1815-1897）的湯姆士卡萊爾和尼達（1820-1910）的彌留之際的囂俄等等。

2.印象派攝影

1899年，英國舉辦了法國印象派繪畫的首次展覽。繪畫主義派攝影家羅賓森在其影響下，提出「軟調攝影比尖銳攝影更優美」的審美標准，提倡「軟調」攝影。該流派是繪畫印象派在攝影藝術領域中的反映。

開始，他們運用軟焦點鏡頭進行拍攝，布紋紙洗印，追求一種模糊朦朧的藝術表現效果。隨著「溴化銀洗相法」和在顏料中混入重鉻酸膠洗相紙法的出現，印象派作品從對鏡頭成象的控制發展到暗房加工。

他們提出「要使作品看起來完全不象照片」，並且認為「假如沒有繪畫，也就沒有真正的攝影。」

在這種理論指導下，印象派攝影家還用畫筆、鉛筆和橡皮在照片畫面上加工，特意改變其原有的明暗變化，追求「繪畫」的效果，如拉克羅亞在一九零零年創作的《掃公園的人》，就象是一幅畫在畫布上的炭筆畫。

印象派攝影家使自己的作品完全喪失了攝影藝術自身的特點，所以有人又把它稱之為「仿畫派」。可以說它是繪畫主義攝影的一個分支。

這一流派的藝術特色是調子沉鬱，影紋粗糙，富有裝飾性，但缺乏空間感。其著名攝影家有杜馬希（?-1937）、普約（1857-1933）、邱恩（1866-1944）、瓦采克（1848-1903）、

霍夫梅斯特兄弟（1868-1943;1871-1937）、杜爾柯夫（1848-1918）、埃夫爾特（1874-1948）、米尊內（1870-1943）、辛吞（1863-1908）、奇里（1861-1947）等。

3.寫實攝影

寫實攝影是一種源遠流長的攝影流派，延綿至今，仍是攝影藝術中基本的、主要的流派。它是現實主義創作方法在攝影藝術領域中的反映。

該流派的攝影藝術家在創作中恪守攝影的紀實特性，在他們看來，攝影應該具有「與自然本身相等同」的忠實性，畫面中的每一個細節，只有具有「數學般的准確性」，作品才能發揮他種藝術媒介所不具有的感染力和說服力。

A·斯蒂格利茨曾說：「只有探討忠實，才是我們的使命。」

另一方面，他們又反對象鏡子那樣冷漠地、純客觀地反映對象，主張創作應該有所選擇，對所反映的事物應該有藝術家自己的審美判斷。著名寫實攝影大師劉易斯·海因就說過這樣的名言：「我要揭露那些應加糾正的東西；同時，要反映那些應予表揚的東西。」

可見他們崇尚藝術應該「反映人生」的觀點。他們敢於正視現實，創作題材大都取於社會生活。藝術風格質朴無華，但具有強烈的見證性和提示力量。

最早的寫實攝影愛好當推英國攝影家菲利普·德拉莫特於1853年拍攝的那些火棉膠紀錄片。稍後，則是羅斯·芬頓的戰地攝影和六十年代末的威廉·傑克遜的黃石奇觀。

1870年以後，寫實攝影漸趨成熟，開始把鏡頭轉向社會，轉向生活。如當時的攝影家巴納多博士就拍攝了流浪兒童的悲慘境遇，而震動了人們。

隨後，寫實攝影家人才輩出，作品都以其強烈的現實性和深刻性而著稱於攝影史。例如英國勃蘭德的《拾煤者》；美國R·卡帕的《通敵的法國女人被剃光頭遊街》；法國韋絲的《女孩》等等，不勝枚舉。

4.自然主義攝影

1899年，攝影家彼得·亨利·愛默生鑒於繪畫主義創作的弱點，發表了一篇題為《自然主義的攝影》的論文，抨擊繪畫主義攝影是支離破碎的攝影，提倡攝影家回到自然中去尋找創作靈感。

他認為，自然是藝術的開始和終結，只有最接近自然、酷似自然的藝術，才是最高的藝術。他說，沒有一種藝術比攝影更精確、細致、忠實地反映自然，「從感情上和心理上來說，攝影愛好的效果就在於感光材料所記錄下來的，沒有經過修飾的鏡頭景象。」

該派另一位大師A·L·帕邱說得更明確：「美術應該交給美術家去做，就我們攝影來說，並沒有什麼可借重美術的，應該從事獨立性的創作。」

由此可見，這種藝術主張，是對繪畫主義的反動，它促使人們把攝影從學院派的桎梏中解脫出來，對充分發揮攝影自身特點有著促進作用。

這一流派的創作題材，大都是自然風光和社會生活。

由於自然主義攝影滿足於描寫現實的表面現實和細節的"絕對"真實，而忽視對現實本質的挖掘和對表面對象的提煉，一句話，不注意藝術創作的典型化和藝術形象的典型性，因而，它實質上是對現實主義的庸俗化。有時會導致對現實的歪曲。

這一派著名的攝影家有德威森（1856-1930）、威爾欽遜（1857-1921）、葛爾（?-1906）、搔耶（1856-?）、薩特克利夫（1859-1940）等。

5.純粹派攝影

純粹派攝影是成熟於二十世紀初的一種攝影藝術流派。其創導者為美國攝影家斯蒂格里茲（1864-1946）。

他們主張攝影藝術應該發揮攝影自身的特質和性能，把它從繪畫的影響中解脫出來，用純凈的攝影技術去追求攝影所特具的美感效果－－高度的清晰、豐富的影調層次、微妙的光影變化、純凈的黑白影調、細致的紋理表現、精確的形象刻畫。

總之，該派攝影家刻意追求所謂的「攝影素質」：准確、直接、精微和自然地去表現被攝對象的光、色、線、形、紋、質諸方面，而不藉助任何其他造型藝術的媒介。

科班1913年送展的俯瞰紐約，就是純粹派中的佳作。

攝影家從高處俯瞰紐約某個廣場，雖沒有任何加工、修飾，但新穎的構圖，獨特的造型，使人耳目一新，再如E斯坦誠的K桑德伯格，則是用多次曝光的手法，了獨幅作品空間、時間的限制，在一個畫面中細膩地刻畫了詩人情緒的轉換，影調的組合和構圖的變化，極有韻律感。

從某個角度說，純粹派的某些主張和創作是形式主義和自然主義的「混血兒」，後來則衍變成「新即物主義」。但該流派在一定程度上曾促進了人們對攝影特性和表現技巧的探索和研究。

這一流派的著名攝影家是斯特蘭德（1890-1976）和F64小組攝影組織中的攝影家，如亞當斯、坎寧安等。

純粹派後期的作品則向線條、圖案和歪曲形象的抽象方面發展，其有影響的攝影家是亞博、史丁納、史脫特文和伊凡思等。

6.新即物主義攝影

新即物主義攝影又稱「支配攝影」、「新現實主義攝影」。為20世紀二十年代出現的一種攝影藝術流派。

該流派的藝術特點是在常見的事物中尋求「美」。用近攝、特寫等手法，把被攝對象從整體中「分離」出來，突出地表現對象的某一細部，精確如實地刻畫它的表面結構，從而達到眩人耳目的視覺效果。

它不考慮藝術的本質在於提示對象的本質，因而其美學思想是屬於自然主義范疇的。例如，攝影家帕邱在一九二三年拍攝的火車頭的回轉軸就是用近攝手法，表現了火車頭回轉軸運轉時的狀態，由於畫面摒棄了其他細部因而給予觀眾的視覺印象是強烈的。

新即物主義的理論先驅是斯特蘭德，他對即物主義藝術特徵作了如下規定：「新即物主義乃是攝影的本質，並且也是攝影的產物和界限。」他認為，攝影「對生命的表現極強，而且需要觀察正確事物的眼睛。

為此，並非根據敷衍的過程和操作方法，而是必須運用純凈的攝影術才行。」新即物主義攝影的創作先驅則是阿傑和斯泰肯。而實際創始者為上面提到的帕邱。

新即物主義攝影家的功績是促使人們對攝影自身特性的研究和探索，把攝影從審美性的虛幻世界中拉回到現實生活中來。但是，由於過分強調了細部物質表面結構的描寫，為後來的抽象主義攝影提供了萌發的土壤。

一九二五年前後，由於出現了大口徑的小型照相機，新即物主義的表現領域有了新的發展，產生了不少人像作品及反映社會生活和自然風光的作品。

新即物主義的著名攝影家有桑德（1876-1964）、勒斯基（1871-1956）、黑葛（1893-1955）、希爾夏（1881-1948）休利曼·霍培（1878-?）、埃夫特（1874-1948）、威斯吞·亞當斯（?-1902）等。

7.超現實主義攝影

超現實主義攝影為達達派沒落時期出現於攝影藝術領域中的一種流派，興起於20世紀三十年代。

這一流派有著較為嚴謹的藝術綱領和藝術理論。他們認為，用現實主義創作方法去表現現實世界是古典藝術家早已完成了的任務，而現代藝術家的使命是挖掘新的、未被探討過的那部分人類的「心靈世界」。

因而，人類的下意識活動，偶然的靈感、心理變態和夢幻便成了超現實主義攝影藝術家們刻意表現的對象。

攝影中的超現實主義者也象達達派攝影家一樣，利用剪刀、漿糊、暗房技術作為自己主要的造型手段，創造一種現實和臆想、具體和抽象之間的超現實的「藝術境界」。所以其效果是奇特、荒誕而又神秘的。

該流派的創始人是英國攝影家絲頓和美國的布留奎爾（1880-1945）。真正完成者為英國舞台攝影家馬可賓（1905-?），他在自己的創作中，把"超現實"的虛和現實中的實揉合在一起，創造了一種既虛幻又實在的境界。

例如，他在一九四六年創作的《馬可賓的自畫像》就是一幅很典型的超現實作品，它是運用四次曝光的手法拍攝出來的－－一次正面，兩次側面和一次一隻眼睛。

這一流派的著名攝影家有從事超現實主義集錦照片的畫家帕爾汗；變形人體攝影家布蘭特；肖像兼宣傳攝影家卡遜以及布魯門塔爾、洛林、哈爾斯曼、賴依、等。

8.抽象攝影

抽象攝影為第一次世界大戰後出現的一種攝影藝術流派。

該流派的攝影家否定造型藝術是以可審視的藝術形象來反映生活、表現藝術家審美感受的這一基本特性，宣稱要把攝影"從攝影里解放出來"。

初期，用無底放大法省略去「被攝體」的細部紋理和豐富影調，製作成僅表現其形狀的「光圖畫」。

後來發展到或運用光線，或剪輯集錦，或中途曝光，或拍攝時震動照相機使被攝體形象在底片中的結象模糊，或多次曝光使之重影，直到改變畫面的表面結構，改變被攝物體的原有形態和空間結構，力圖使用所謂形式、影調（色彩）和素材的「絕對抽象的語言」。

使被攝物體轉變成某種不能辨認為何物的線條、斑點和形狀的結合體。

以表現該派藝術家奉為圭臬的所謂人類最真實、最有本質力量的潛意識世界。在作品中，被攝物體只不過是被藝術家借來隨心所欲地產生表現自身想像和個性「旋律」的音符。

抽象攝影的發軔者為泰爾博（1800-1877）。開始時，作品畫面仍保持一定程度的可辨認性。

至一九一七年攝影家科班（1882-?）用木片和透明玻璃碎片拍攝的《波爾多畫報》就已完全不可辨認了。一九二二年，匈牙利抽象畫家莫荷利納基（1895-?）在曼瑞（1890-?）等人的基礎上加以發展，並從理論上予以確立。

隨後，抽象畫家康丁斯基、克勒等引進了顯微攝影和X光攝影，從而大大擴大了抽象派攝影的表現范圍，豐富了攝影藝術的語言，建立了自己的藝術體系，並風行於歐美等國。

該流派的代表人物，除文中已提及的外，尚有史格特、芬寧格、安真蘭特、佛萊泰、溫隙斯特、格連巴晤、夏德和布留奎爾等。

9.堪的派攝影

堪的派攝影是第一次世界大戰後興起的、反對繪畫主義攝影的一大攝影流派。

這一流派的攝影家主張尊重攝影自身特性，強調真實、自然，主張拍攝時不擺布、不幹涉對象，提倡抓取自然狀態下被攝對象的瞬間情態。

法國著名的「堪的」派攝影家亨利·卡笛爾·布列松說過：「對我來說，攝影就是在一瞬間里及時地把某一事件的意義和能夠確切地表達這一事件的精確的組織形式紀錄下來。」因而這一流派的藝術特色是客觀、真實、自然、親切、隨便、不事雕琢、形象生動而富有生活氣息。

「堪的」派中的攝影家，就其美學思想和創作傾向而言，情況是比較復雜的，雖然他們都崇尚人性世態的表現，且大部分都從事於新聞攝影工作，但有的為自然主義者，有的為寫實主義者。

催生該流派的作品是一八九三年攝影家阿爾弗雷德·斯蒂格利茨的《紐約第五街之冬》，而真正完成者則是德國的攝影家埃利克·沙樂門博士。他用小型相機在一次德法總理舉行的夜間會議結束時拍攝的《羅馬政治會議》，由於它的生動、真實、朴實、自然，而成為該流派名垂攝影史的經典作品。

在攝影美學上，他們認為「以攝影的基本特點為基礎的照片，是畫家或蝕刻家所無法模仿的，它具有它自己的不可分割的我，具有自己特殊的表現力，甚至是用其他媒介不可能表現出來的特性」。

其次，對客觀事物的表現，他們重視和強調獨創性，說：「（攝影家要用）自己的眼光來看世界，不要通過別人的眼光來看世界，而這正是區分照片是平庸還是高明，有價值還是沒有價值的標准。」

該派著名的攝影家有美國的托馬斯·道韋爾·麥阿沃依；英國的茜莉特·摩戴爾；法國的維克托·哈夫門；以及路易斯·達爾·沃爾夫、彼得·斯塔克彼爾·布魯維奇等等。

10.「達達派」攝影

「達達派」是第一次世界大戰期間出現於歐洲的一種文藝思想。「達達」，原為法國兒童語言中「小馬」或「玩具馬」的不連貫語匯。

因為達達主義藝術家在創作中否定理性和傳統文化，宣稱藝術和美學無緣，主張「棄繪畫和所有審美要求」，崇尚虛無，使創作近乎戲謔，因而人們把該藝術流派稱之為「達達派」。

由於達達派攝影藝術作品不符合人們一般的審美趣味和審美要求，1924年以後就逐漸受到有較明確、完整的藝術豆腐和綱領的超現實主義藝術流派的沖擊。但其影響仍可在以後出現的現代派攝影藝術中窺見。

達達派的著名攝影家有菲利普哈爾斯曼、摩根、拉茨羅摩荷利納基和利斯特基等。

11.主觀主義攝影

主觀主義攝影是一種在第二次世界大戰後形成的比抽象派攝影更為「抽象」的攝影藝術流派，所以又稱作「戰後派」。

它是存在主義哲學思潮在攝影藝術領域中的反映。其創始人是德國攝影家奧特·斯坦內特。他認為，「攝影是本來具有發揮自己能力的寬闊領域，也具有高度的主觀能動作用。

但目前卻成了一種機械的寫實主義」。於是提出了「攝影藝術主觀化的藝術主張。極力主張攝影藝術的終極應該是提示攝影家自身的某些朦朧意念和表現不可言傳的內心狀態和下意識活動。」主觀攝影就是人格化、個性化的攝影。

這便是該流派的藝術綱領。主觀攝影的藝術家們極度強調自己的創造個性，蔑視一切已有藝術法則和審美標准。該派理論家公開表示，「主觀攝影不僅僅是一種試驗性的圖像藝術，而是一種自由的不受限制的創造性藝術。」「我們可以任意使用技術手段去創造照片。」

西方人體攝影的嬗變世界藝術史上，在希臘和歐洲文藝復興時期出現過人體藝術的輝煌時期，其後誕生的攝影藝術，在經歷了初期令人震驚的再現客觀現實的藝術表現力後，富有探索精神和創造力的攝影家就開始向人體攝影領域的突進。

1857年瑞典攝影家、後來留居英國的雷達蘭，拍攝了一幅在攝影史上奉為經典之作的《人生的兩條道路》，這幅情節豐富，場面浩繁的畫面，運用了大量的人體作品，主題是觀善懲惡，以白鬢長者為中心，兩邊兩組人物體現了兩種不同的道德觀念、生活理想和人生歷程。

但是它也受到了少數人的攻擊，說它動用那麼多裸女，姿態粗野淫糜，流於色情等等。可見，古今中外，人體藝術無論它有多麼積極的思想意義或高明的藝術處理，都會受到一些人的非難和攻擊，這恐怕已成為一種規律性反應了。

西方人體攝影的發展趨勢是非常明顯的。在發展常規的傳統的人體攝影的同時，也風行表達強烈的主觀感受、現代攝影語言、創造多種流派、風格的作品，以至出現了畸形、切割、重組、神秘、荒誕、醜陋的意境。

如傑瑞·郁斯曼的象徵意味的人體攝影、羅傑·麥丁的《隨意的人體》、托德·窩爾克的原始碩大造型的人體攝影、羅伯特·亨內斯欽及啟德蘇·俄克哈馬等的切割重組的人體攝影、李思麗·克羅娜斯的荒誕意味人體攝影及寧達、康偌道尼·米切爾等的有性感意味的人體攝影等。

㈡ 小孩戲水圖片

小孩子是不建議到水邊戲水的，不太安全！

㈢ 攝影心得1500字

一、什麼是攝影藝術？
早在1839年，法國人達蓋爾將他的「▲●銀版攝影法」公諸於世，標志著▲攝影技術的正式誕生。當時的攝影主要是用來拍攝靜物和人像，還談不上藝術性；我們所說的攝影藝術，是指▲●運用一定的物質材料和技術手段（即照相機、膠卷、暗房工藝等），拍攝出具有審美價值的照片，來反映生活、表達情感的藝術。
攝影在我們日常生活中，特別是在部隊文化工作的開展中，扮演著重要的角色。好，我們首先來看一下，我們平時常看到的攝影作品有哪幾種，通過它們再考察一下攝影相比其他藝術門類的獨到之處：
二、攝影藝術的種類和特徵
1、攝影的種類
標準的不同會帶來不同的分類方法。
從▲感光材料上可分為●黑白攝影、彩色攝影兩大類。
從▲表現方法上看又可分為：●畫意攝影（如香港著名畫意攝影家郎靜山先生）、寫實攝影(如美國著名的攝影大師亞當斯先生)、抽象攝影和特技攝影等等。(因為表現方法的不同攝影才分為各種流派。)
從▲題材內容上，可分為▲●人物攝影、風景攝影、靜物攝影、舞台攝影、體育攝影、新聞攝影等等（這是日常最普遍的分類法）。
通過以上這些照片的觀察和比較，可以明顯看出其不同於其他藝術門類的突出特徵。
2、攝影藝術的特徵
我們所拍的每一張照片，都是現實場景的逼真再現，這就是攝影的第一個特徵。
（1） ▲真實性
真實性是攝影藝術最基本的特徵。它可以將現實世界的每一個場景即時「留影」，鏡頭在一定程度上有「鏡子」的功能，可將現實世界攝入其中，逼真再現。因此照片可作為流金歲月的「紀念」，重大歷史事件的記錄,可作為「呈布公堂」的證據，這都源於它本身固有的真實的特性。（●1963年周恩來與鄧小平在頤和園 呂厚民）（震區一角 ●1976年唐山 李耀東）雖然攝影藝術中，會有疊放、變形、甚至其它種種「超現實」的特技手法，但照片中的每一個對象都應是真實存在（而非虛構）的。攝影中特別崇尚抓拍，就是為了突出其真實性的特徵。
我們又注意到，照片所截取的不是生活中的某一個過程，而只是一個瞬間，這就是攝影的第二個特點：
（2） ▲瞬間性
我們如果想用攝影表現一個「過程」，也只能截取其中具有代表意義的瞬間來完成。這就是攝影與影視、攝像的區別。所以攝影被稱為「瞬間的藝術」。藝術中的繪畫和雕塑也是表現瞬間的，但它們的瞬間可以是畫家根據他對生活的理解而虛構的。攝影的瞬間帶有極強的「紀實性」。(●抗洪題材的繪畫和攝影的比較)

（3）▲科學與藝術的結合
一開始，攝影的發明就起源於「●針孔成像」的科學發現。攝影還必須依賴於一定的「器材」，如照相機、膠卷、放大機、沖洗葯液等等●。攝影的發展與照相器材的發展相輔相成，緊密聯系。用於拍照的照相機，從最初形式的「暗箱」，到簡單的●全手動照相機，再到現代全自動電子照相機、數碼相機。一百多年的攝影歷史是踏著科技進步的節拍器走過來的。攝影是科學與藝術完美結合的典型範例。

那麼，當我們用越來越先進的照相機拍攝風景、拍攝人像、拍攝生活時，卻越來越應該講究「藝術性」了。看一幅照片的「藝術性」應從些方面入手呢？下面我們說一說：
三、攝影藝術欣賞要素
藝術是要塑造形象的，攝影也不例外。▲文學是用語言來塑造形象，音樂是用旋律與節奏塑造形象。▲攝影塑造形象用什麼呢？是通過構圖、用光、影調、色彩等因素而完成。這些就是攝影藝術的造型因素。
1、▲造型因素
（1）▲構圖
▲攝影構圖是攝影畫面的總體布局安排。構圖是要把多個攝影對象有機地安排在一幅畫面中，構成一定的造型形式。構圖的成與敗主要看它是否有利於主題思想的表現。要做到著一點，必須▲處理好以下三方面的關系：
▲取與舍的關系：美術是「加法」的藝術、攝影則是「減法的藝術」，攝影者隨時都要考慮將現實場景中的哪些人與物排除在曲景框之外。▲根據主題的需要取捨的不同會帶來不同的效果。●（《閱兵村鏡頭》之一、之二）前者是通常的構圖方法，它主要表現了軍人的整齊合一；後者大膽地舍棄的人物的大半部分，而特別突出了刺刀的形象，表現了軍人威武不屈，勇往直前的氣概，「減法」的運用也使構圖比較新穎。我們再來看一幅熟悉的照片：●《課堂上》。這幅被稱為「大眼睛女孩」的照片是解海龍《希望工程》系列作品中最著名的作品。作品中孩子的渴求知識的眼神是作者要傳達的主旨，所以在構圖時，人物的半個腦袋也被「狠心」地裁去，人物的表情卻更突出了；此外，作者又利用光影的作用，將次要的東西隱弱在暗影中。由此可見，攝影的構圖應該是：▲突出主要的東西，保留次要的東西，剔除無用的東西。
攝影構圖還要處理好：
▲主體與陪體的關系。
所謂▲主體，是表達作品主題思想和情感的主要對象，它是構圖的中心。▲陪體是畫面中襯托主體，與主體構成一定情節，幫助表達主體的內涵和特徵的對象。請看作品●《斗爭地主》。
對▲主體的處理要使之「突出」。突出主體的方法有很多，最直接有效的方法是將主體置於「黃金分割點」上●：如果將一個長方形的畫框九等分，這里四個交叉點大約就是黃金分割點。這四條線就是黃金分割線，處於這四個點或四條線上的對象，不僅顯得均衡和美觀，而且特別吸引觀者的視線。
對於陪體的處理，只有一句話：▲要有效地襯托主體而又不至於喧賓奪主。
請同學們分析一下這兩幅照片中的主體和陪體，以及主體和陪體的處置方法。●《國事、家事……》、《五分鍾情話》。
攝影構圖還要處理好▲前景和背景的關系。
▲處於主體前面的景物叫前景。舉例說明：●《歐江船曲》:在畫面上部加一些樹枝，使二維照片▲增加了有遠有近的空間感，觀眾的視線很容易順著前景滑向主體，同時在構圖上填補了天空的空白。●《收獲時節》前景的設置形成「框式構圖」，處在畫框中的主體得以突出。●《訣別抗洪烈士》：前景交代了主體人物悲痛的原因。由此可見前景可以起到以下作用：一是▲增加畫面的縱深感、空間感。二是突出主體。三是表達與主體有關的內容。
▲處於主體後面的景物叫背景。舉例：●《威武之師》、《探親》。▲背景的作用：烘托、深化主題。表達與主題有關的內容。
以上是攝影構圖的常識。攝影的第二個重要造型因素是用光。
（2） 用光
我們知道，沒有光照明就無法使膠片感光，也談不上攝影。但是，攝影中的「用光」不僅是指把光作為照明的方式，而更是指用「光」這種造型因素，更完美地表現主體，表達主題。
這是常見光的光點陣圖●。
攝影中的「光」按照光的投射方向不同分為以下幾種：正面光●、側面光、逆光、頂光、腳光等。。這幾種光都有明顯的方向性,沒有方向性的光叫散射光；陰天時的太陽光就是散射光。
這幾種用光的方法各有特點。其中最常用的是正面光、側面光、逆光。(光點陣圖) 下面我們結合實例分析一下這幾種光位的造型特點和拍攝方法。
▲●正面光：也叫順光，光的方向和照相機攝軸的方向基本一致。適合表現明亮、純凈、細膩、平滑等情調。（女兵照片）
▲●側光：光的方向和照相機攝軸的方向成90度角。可加強被攝對象本身的質感和立體感。（《中華男兒》等照片）
▲●逆光：能清晰地勾勒出物體輪廓，展現被攝物細節，空間感強烈。
攝影的其他造型因素還有：
（3）▲影調
攝影中常說的「影調」一般是指黑白攝影中的黑、白、灰、明暗層次的變化。攝影大師亞當斯曾把自然界所有密度變化分成0—10個等級●，攝影家通過拍照和沖洗兩個過程可以比較准確地控制影調等級。
攝影很難把自然界中▲從0密度到10密度的十一個等級完全展示常常只是還原了其中一部分密度等級。如果照片整體密度偏重於白和淺灰，深灰和黑的分量少，這樣的照片稱之為「▲●高調」。如果照片的整體密度偏重於黑和深灰，淺灰和白的成份很少，這樣的照片稱為「▲●低調」。也就是說，整體密度小叫「高調」照片，整體密度大叫「低調」照片，介於二者之間的成為「▲●中間調」照片。
另外如果一張照片灰的成分多，黑白兩極成分少，叫做「▲●軟調」或「柔調」照片。灰的成分很少，黑白過渡劇烈，很少中間層次，我們稱之為「▲●硬調」照片。
對於黑白攝影來講，主要講究影調，而對於彩色攝影來講主要講究色彩：
（4）▲色彩
不同的色彩給人以不同的感受，如紅色給人以暖和、熱烈、緊張；藍色帶給人清涼、冷靜、平和。攝影家為表達主題的需要，往往為自己的作品確定一個整體統一的色調，即色彩的基調。色彩的基調有▲●冷、▲●暖和中間色之分。
以上所講的是攝影的基本造型因素。在攝影中，善於利用一些技術、技巧，也是成功的關鍵。
（4）▲技術技巧
自然和社會是不斷流動和變化的，攝影只能從中截取某一時刻的畫面呈現於讀者，給人以美感。要使畫面變得精彩，還要講究以下拍攝技巧：
（5）▲瞬間
●《趕鴨回家》。有一次，美國攝影家麥克馬洪看到一個男孩趕著幾只白鴨子走過一座木橋，鄉間的田園情趣吸引了他，於是他順手拍了幾個鏡頭。沖洗出來一看，發現所拍的照片或多或少都存在一些不足之處。相比之下，只有第三幅比較理想，於是攝影家就選中了這個鏡頭。這一段膠片給我們一個啟示：▲在某一個正在發展和進行著的事件里,最好的鏡頭（即最佳瞬間）只有一個。把握瞬間就是把握按動快門的最佳時機。
生活中有哪些瞬間最值得按下快門呢？讓我們結合實例看一看：
●《無名小站》。在某個冬天，一個戰士的背影，一輛遠去的汽車，特別是從殘破的車窗玻璃中露出一張孩子的臉……不用任何語言，照片彷彿在講述一個故事，引發我們的聯想。也許每一個觀者的想像不能完全一樣，但不管怎樣，小站惜別的場景深深地打動了我們。瞬間的內涵是靠觀眾的想像來完成的。▲這種傳達了對象間相互關系的「情節瞬間」是值得我們把握的。
●《飛車》。這種▲以被拍攝對象姿態為主要表現內容的「動態瞬間」，是值得我們把握第三種瞬間。
●《在結婚登記處》。照片反映的是我國剛解放不久，婦女終於可以婚姻自主，這位少數民族的女青年來到結婚登記處辦理結婚登記的情景。▲人物既甜蜜又羞澀的神態，非常典型，是這張照片取勝的關鍵。這種典型的有意義的表情瞬間也是值得我們把握的。
要更好地抓住各種瞬間，要依照拍攝者高度的修養，敏捷的思維，細致的觀察，以及熟練的技巧、正確的方法和先進的器材。
（6）▲角度
對於同一被攝體，由於相機拍攝角度的變化，在很大程度上會改變我們的審美感受，所以角度也是我們豐富影像表現力的重要技巧。角度可分為
▲●正視角度
反視角度 水平角度
側視角度

平視角度
仰視角度 垂直視角
俯視角度
很多時候，水平角度和垂直角度相互結合，又可產生更為豐富的角度變化。
（7）▲氣氛
▲所謂氣氛是指攝影作品特定環境中所洋溢的情調和氣息。它是使攝影作品產生「意境」的重要手段。這種氣氛的營造，有時是▲靠事物本身的態勢：如萬馬奔騰、暴雨滂沱、斜陽晚照、靜謐幽雅等，（●《馳騁原野》 李曉寧 攝）▲有時又要靠形與色、光與影等視覺元素來表達：如水面的反光形成五彩斑斕的意境（●《戲水》 邊疆 攝）；側光、逆光的拖影造成的深邃、幽遠的意境，等等。
分析攝影作品的氣氛，一是要看它是否抓住了人物形象所表露的真情實感或事物所處的真實狀態；二是分析畫面所造成的環境與背景是否能夠很好地陪襯和烘托主體；三是看光線的運用和拍攝的角度是否得當，是否使人物和環境得到和諧統一。
i. 攝影的其它技術技巧
▲動感：
是指表現運動物體的姿態、速度和力量。主要有兩大類：一是用高速快門拍攝的物體運動過程中的最佳瞬間，畫面影響清晰●；二是快門速度適當，畫面出現虛實結合的動感效果●。前者重要表現動體的姿態，後者主要表現動體的速度。
▲●朦朧：有時「虛」比「實」更具有藝術魅力。使影像產生如夢似幻的朦朧效果則更具有表現力。朦朧絕不是焦點不實。它是在正常對焦的情況下，在鏡頭上加用柔焦鏡、魔幻鏡，或虛實兩次對焦以及在鏡頭上抹上凡士林等方法完成的。《秋風》這幅作品就是在鏡頭上抹凡士林油創作的。
▲●質感：攝影可以通過特寫或近景表現物體細膩的質地：木頭表面的紋理、鋼鐵表面的反光、皮膚表面的汗毛孔，這些都可以在鏡頭下得以最逼真地表現，從中我們可以清晰地觀察出被攝體原始的質料。這就是攝影中對質感的表現。《魂系大海》中鋼鐵的質感也是一種力量的象徵。
▲4、表現方法
由於攝影家的生活閱歷和世界觀的不同，會有不同的創作思想，在他們的整個作品中，往往會有不同的創作方法●。如在藝術領域中有現實主義和浪漫主義之分。在攝影中則有許多攝影流派。如：寫實攝影、抽象攝影、畫意攝影等。不同的流派可能遵從著不同的表現手法●。抽象攝影《馬可賓的自畫像》是用四重曝光的方法拍攝的。《漁光曲》（陳復禮 攝）則帶有濃重的中國畫風格●。
▲5、主題思想
創作的最終目的是攝影家通過審美創造表達自己的主題思想，如果一幅畫面沒有表達出任何思想傾向或思想感情，那末大約就不能算是一幅藝術作品。
蘇聯評論家瓦爾坦諾夫說過：
▲「如果一幅照片只是反映了相機的作用，而沒有作者本人的思想感情的活動，那它也是沒有什麼好看的。
我們認為，攝影應當是一種應當是一種藝術創造的形式，這就意味著，照片上不僅可以看到記錄的現實生活片斷，而且還可以看到攝影者對現實生活的理解。」
這種「對現實生活的理解●」就是一幅攝影作品的主題。
《稻子和稗子》●：作者借用自然中的兩種植物，表達對生活中的兩種人的看法：贊揚了腳踏實地、謙虛穩重的人；批評了那些趾高氣揚，又腹中空空的人。
我們當然還可以通過分析許多優秀的作品，理解攝影家的表現手法和主題思想。希望大家多看作品，多作分析●。

㈣ 求攝影的藝術和攝影技術的關系論文（1500字左右）

這兒有個藝術和技術的教案，你看有用么~

就讓我們一同走進這個五彩繽紛的光與影的世界——這就是令人著迷的攝影藝術。

一、什麼是攝影藝術？
早在1839年，法國人達蓋爾將他的「▲●銀版攝影法」公諸於世，標志著▲攝影技術的正式誕生。當時的攝影主要是用來拍攝靜物和人像，還談不上藝術性；我們所說的攝影藝術，是指▲●運用一定的物質材料和技術手段（即照相機、膠卷、暗房工藝等），拍攝出具有審美價值的照片，來反映生活、表達情感的藝術。
攝影在我們日常生活中，特別是在部隊文化工作的開展中，扮演著重要的角色。好，我們首先來看一下，我們平時常看到的攝影作品有哪幾種，通過它們再考察一下攝影相比其他藝術門類的獨到之處：
二、攝影藝術的種類和特徵
1、攝影的種類
標準的不同會帶來不同的分類方法。
從▲感光材料上可分為●黑白攝影、彩色攝影兩大類。
從▲表現方法上看又可分為：●畫意攝影（如香港著名畫意攝影家郎靜山先生）、寫實攝影(如美國著名的攝影大師亞當斯先生)、抽象攝影和特技攝影等等。(因為表現方法的不同攝影才分為各種流派。)
從▲題材內容上，可分為▲●人物攝影、風景攝影、靜物攝影、舞台攝影、體育攝影、新聞攝影等等（這是日常最普遍的分類法）。
通過以上這些照片的觀察和比較，可以明顯看出其不同於其他藝術門類的突出特徵。
2、攝影藝術的特徵
我們所拍的每一張照片，都是現實場景的逼真再現，這就是攝影的第一個特徵。
（1） ▲真實性
真實性是攝影藝術最基本的特徵。它可以將現實世界的每一個場景即時「留影」，鏡頭在一定程度上有「鏡子」的功能，可將現實世界攝入其中，逼真再現。因此照片可作為流金歲月的「紀念」，重大歷史事件的記錄,可作為「呈布公堂」的證據，這都源於它本身固有的真實的特性。（●1963年周恩來與鄧小平在頤和園 呂厚民）（震區一角 ●1976年唐山 李耀東）雖然攝影藝術中，會有疊放、變形、甚至其它種種「超現實」的特技手法，但照片中的每一個對象都應是真實存在（而非虛構）的。攝影中特別崇尚抓拍，就是為了突出其真實性的特徵。
我們又注意到，照片所截取的不是生活中的某一個過程，而只是一個瞬間，這就是攝影的第二個特點：
（2） ▲瞬間性
我們如果想用攝影表現一個「過程」，也只能截取其中具有代表意義的瞬間來完成。這就是攝影與影視、攝像的區別。所以攝影被稱為「瞬間的藝術」。藝術中的繪畫和雕塑也是表現瞬間的，但它們的瞬間可以是畫家根據他對生活的理解而虛構的。攝影的瞬間帶有極強的「紀實性」。(●抗洪題材的繪畫和攝影的比較)

（3）▲科學與藝術的結合
一開始，攝影的發明就起源於「●針孔成像」的科學發現。攝影還必須依賴於一定的「器材」，如照相機、膠卷、放大機、沖洗葯液等等●。攝影的發展與照相器材的發展相輔相成，緊密聯系。用於拍照的照相機，從最初形式的「暗箱」，到簡單的●全手動照相機，再到現代全自動電子照相機、數碼相機。一百多年的攝影歷史是踏著科技進步的節拍器走過來的。攝影是科學與藝術完美結合的典型範例。

那麼，當我們用越來越先進的照相機拍攝風景、拍攝人像、拍攝生活時，卻越來越應該講究「藝術性」了。看一幅照片的「藝術性」應從些方面入手呢？下面我們說一說：
三、攝影藝術欣賞要素
藝術是要塑造形象的，攝影也不例外。▲文學是用語言來塑造形象，音樂是用旋律與節奏塑造形象。▲攝影塑造形象用什麼呢？是通過構圖、用光、影調、色彩等因素而完成。這些就是攝影藝術的造型因素。
1、▲造型因素
（1）▲構圖
▲攝影構圖是攝影畫面的總體布局安排。構圖是要把多個攝影對象有機地安排在一幅畫面中，構成一定的造型形式。構圖的成與敗主要看它是否有利於主題思想的表現。要做到著一點，必須▲處理好以下三方面的關系：
▲取與舍的關系：美術是「加法」的藝術、攝影則是「減法的藝術」，攝影者隨時都要考慮將現實場景中的哪些人與物排除在曲景框之外。▲根據主題的需要取捨的不同會帶來不同的效果。●（《閱兵村鏡頭》之一、之二）前者是通常的構圖方法，它主要表現了軍人的整齊合一；後者大膽地舍棄的人物的大半部分，而特別突出了刺刀的形象，表現了軍人威武不屈，勇往直前的氣概，「減法」的運用也使構圖比較新穎。我們再來看一幅熟悉的照片：●《課堂上》。這幅被稱為「大眼睛女孩」的照片是解海龍《希望工程》系列作品中最著名的作品。作品中孩子的渴求知識的眼神是作者要傳達的主旨，所以在構圖時，人物的半個腦袋也被「狠心」地裁去，人物的表情卻更突出了；此外，作者又利用光影的作用，將次要的東西隱弱在暗影中。由此可見，攝影的構圖應該是：▲突出主要的東西，保留次要的東西，剔除無用的東西。
攝影構圖還要處理好：
▲主體與陪體的關系。
所謂▲主體，是表達作品主題思想和情感的主要對象，它是構圖的中心。▲陪體是畫面中襯托主體，與主體構成一定情節，幫助表達主體的內涵和特徵的對象。請看作品●《斗爭地主》。
對▲主體的處理要使之「突出」。突出主體的方法有很多，最直接有效的方法是將主體置於「黃金分割點」上●：如果將一個長方形的畫框九等分，這里四個交叉點大約就是黃金分割點。這四條線就是黃金分割線，處於這四個點或四條線上的對象，不僅顯得均衡和美觀，而且特別吸引觀者的視線。
對於陪體的處理，只有一句話：▲要有效地襯托主體而又不至於喧賓奪主。
請同學們分析一下這兩幅照片中的主體和陪體，以及主體和陪體的處置方法。●《國事、家事……》、《五分鍾情話》。
攝影構圖還要處理好▲前景和背景的關系。
▲處於主體前面的景物叫前景。舉例說明：●《歐江船曲》:在畫面上部加一些樹枝，使二維照片▲增加了有遠有近的空間感，觀眾的視線很容易順著前景滑向主體，同時在構圖上填補了天空的空白。●《收獲時節》前景的設置形成「框式構圖」，處在畫框中的主體得以突出。●《訣別抗洪烈士》：前景交代了主體人物悲痛的原因。由此可見前景可以起到以下作用：一是▲增加畫面的縱深感、空間感。二是突出主體。三是表達與主體有關的內容。
▲處於主體後面的景物叫背景。舉例：●《威武之師》、《探親》。▲背景的作用：烘托、深化主題。表達與主題有關的內容。
以上是攝影構圖的常識。攝影的第二個重要造型因素是用光。
（2） 用光
我們知道，沒有光照明就無法使膠片感光，也談不上攝影。但是，攝影中的「用光」不僅是指把光作為照明的方式，而更是指用「光」這種造型因素，更完美地表現主體，表達主題。
這是常見光的光點陣圖●。
攝影中的「光」按照光的投射方向不同分為以下幾種：正面光●、側面光、逆光、頂光、腳光等。。這幾種光都有明顯的方向性,沒有方向性的光叫散射光；陰天時的太陽光就是散射光。
這幾種用光的方法各有特點。其中最常用的是正面光、側面光、逆光。(光點陣圖) 下面我們結合實例分析一下這幾種光位的造型特點和拍攝方法。
▲●正面光：也叫順光，光的方向和照相機攝軸的方向基本一致。適合表現明亮、純凈、細膩、平滑等情調。（女兵照片）
▲●側光：光的方向和照相機攝軸的方向成90度角。可加強被攝對象本身的質感和立體感。（《中華男兒》等照片）
▲●逆光：能清晰地勾勒出物體輪廓，展現被攝物細節，空間感強烈。
攝影的其他造型因素還有：
（3）▲影調
攝影中常說的「影調」一般是指黑白攝影中的黑、白、灰、明暗層次的變化。攝影大師亞當斯曾把自然界所有密度變化分成0—10個等級●，攝影家通過拍照和沖洗兩個過程可以比較准確地控制影調等級。
攝影很難把自然界中▲從0密度到10密度的十一個等級完全展示常常只是還原了其中一部分密度等級。如果照片整體密度偏重於白和淺灰，深灰和黑的分量少，這樣的照片稱之為「▲●高調」。如果照片的整體密度偏重於黑和深灰，淺灰和白的成份很少，這樣的照片稱為「▲●低調」。也就是說，整體密度小叫「高調」照片，整體密度大叫「低調」照片，介於二者之間的成為「▲●中間調」照片。
另外如果一張照片灰的成分多，黑白兩極成分少，叫做「▲●軟調」或「柔調」照片。灰的成分很少，黑白過渡劇烈，很少中間層次，我們稱之為「▲●硬調」照片。
對於黑白攝影來講，主要講究影調，而對於彩色攝影來講主要講究色彩：
（4）▲色彩
不同的色彩給人以不同的感受，如紅色給人以暖和、熱烈、緊張；藍色帶給人清涼、冷靜、平和。攝影家為表達主題的需要，往往為自己的作品確定一個整體統一的色調，即色彩的基調。色彩的基調有▲●冷、▲●暖和中間色之分。
以上所講的是攝影的基本造型因素。在攝影中，善於利用一些技術、技巧，也是成功的關鍵。
（4）▲技術技巧
自然和社會是不斷流動和變化的，攝影只能從中截取某一時刻的畫面呈現於讀者，給人以美感。要使畫面變得精彩，還要講究以下拍攝技巧：
（5）▲瞬間
●《趕鴨回家》。有一次，美國攝影家麥克馬洪看到一個男孩趕著幾只白鴨子走過一座木橋，鄉間的田園情趣吸引了他，於是他順手拍了幾個鏡頭。沖洗出來一看，發現所拍的照片或多或少都存在一些不足之處。相比之下，只有第三幅比較理想，於是攝影家就選中了這個鏡頭。這一段膠片給我們一個啟示：▲在某一個正在發展和進行著的事件里,最好的鏡頭（即最佳瞬間）只有一個。把握瞬間就是把握按動快門的最佳時機。
生活中有哪些瞬間最值得按下快門呢？讓我們結合實例看一看：
●《無名小站》。在某個冬天，一個戰士的背影，一輛遠去的汽車，特別是從殘破的車窗玻璃中露出一張孩子的臉……不用任何語言，照片彷彿在講述一個故事，引發我們的聯想。也許每一個觀者的想像不能完全一樣，但不管怎樣，小站惜別的場景深深地打動了我們。瞬間的內涵是靠觀眾的想像來完成的。▲這種傳達了對象間相互關系的「情節瞬間」是值得我們把握的。
●《飛車》。這種▲以被拍攝對象姿態為主要表現內容的「動態瞬間」，是值得我們把握第三種瞬間。
●《在結婚登記處》。照片反映的是我國剛解放不久，婦女終於可以婚姻自主，這位少數民族的女青年來到結婚登記處辦理結婚登記的情景。▲人物既甜蜜又羞澀的神態，非常典型，是這張照片取勝的關鍵。這種典型的有意義的表情瞬間也是值得我們把握的。
要更好地抓住各種瞬間，要依照拍攝者高度的修養，敏捷的思維，細致的觀察，以及熟練的技巧、正確的方法和先進的器材。
（6）▲角度
對於同一被攝體，由於相機拍攝角度的變化，在很大程度上會改變我們的審美感受，所以角度也是我們豐富影像表現力的重要技巧。角度可分為
▲●正視角度
反視角度 水平角度
側視角度

平視角度
仰視角度 垂直視角
俯視角度
很多時候，水平角度和垂直角度相互結合，又可產生更為豐富的角度變化。
（7）▲氣氛
▲所謂氣氛是指攝影作品特定環境中所洋溢的情調和氣息。它是使攝影作品產生「意境」的重要手段。這種氣氛的營造，有時是▲靠事物本身的態勢：如萬馬奔騰、暴雨滂沱、斜陽晚照、靜謐幽雅等，（●《馳騁原野》 李曉寧 攝）▲有時又要靠形與色、光與影等視覺元素來表達：如水面的反光形成五彩斑斕的意境（●《戲水》 邊疆 攝）；側光、逆光的拖影造成的深邃、幽遠的意境，等等。
分析攝影作品的氣氛，一是要看它是否抓住了人物形象所表露的真情實感或事物所處的真實狀態；二是分析畫面所造成的環境與背景是否能夠很好地陪襯和烘托主體；三是看光線的運用和拍攝的角度是否得當，是否使人物和環境得到和諧統一。
i. 攝影的其它技術技巧
▲動感：
是指表現運動物體的姿態、速度和力量。主要有兩大類：一是用高速快門拍攝的物體運動過程中的最佳瞬間，畫面影響清晰●；二是快門速度適當，畫面出現虛實結合的動感效果●。前者重要表現動體的姿態，後者主要表現動體的速度。
▲●朦朧：有時「虛」比「實」更具有藝術魅力。使影像產生如夢似幻的朦朧效果則更具有表現力。朦朧絕不是焦點不實。它是在正常對焦的情況下，在鏡頭上加用柔焦鏡、魔幻鏡，或虛實兩次對焦以及在鏡頭上抹上凡士林等方法完成的。《秋風》這幅作品就是在鏡頭上抹凡士林油創作的。
▲●質感：攝影可以通過特寫或近景表現物體細膩的質地：木頭表面的紋理、鋼鐵表面的反光、皮膚表面的汗毛孔，這些都可以在鏡頭下得以最逼真地表現，從中我們可以清晰地觀察出被攝體原始的質料。這就是攝影中對質感的表現。《魂系大海》中鋼鐵的質感也是一種力量的象徵。
▲4、表現方法
由於攝影家的生活閱歷和世界觀的不同，會有不同的創作思想，在他們的整個作品中，往往會有不同的創作方法●。如在藝術領域中有現實主義和浪漫主義之分。在攝影中則有許多攝影流派。如：寫實攝影、抽象攝影、畫意攝影等。不同的流派可能遵從著不同的表現手法●。抽象攝影《馬可賓的自畫像》是用四重曝光的方法拍攝的。《漁光曲》（陳復禮 攝）則帶有濃重的中國畫風格●。
▲5、主題思想
創作的最終目的是攝影家通過審美創造表達自己的主題思想，如果一幅畫面沒有表達出任何思想傾向或思想感情，那末大約就不能算是一幅藝術作品。
蘇聯評論家瓦爾坦諾夫說過：
▲「如果一幅照片只是反映了相機的作用，而沒有作者本人的思想感情的活動，那它也是沒有什麼好看的。
我們認為，攝影應當是一種應當是一種藝術創造的形式，這就意味著，照片上不僅可以看到記錄的現實生活片斷，而且還可以看到攝影者對現實生活的理解。」
這種「對現實生活的理解●」就是一幅攝影作品的主題。
《稻子和稗子》●：作者借用自然中的兩種植物，表達對生活中的兩種人的看法：贊揚了腳踏實地、謙虛穩重的人；批評了那些趾高氣揚，又腹中空空的人。
我們當然還可以通過分析許多優秀的作品，理解攝影家的表現手法和主題思想。希望大家多看作品，多作分析●。